viernes, 14 de septiembre de 2012

"...la culpa es de uno cuando no enamora...": Mario Benedetti

El día que cumplirías 92 años es un día más para muchos pero para los amantes de tu poesía, cuento y novela, hoy te recordamos, Mario Benedetti. 

Mario Benedetti nació el 14 de septiembre de 1920, en Paso de los Toros, Departamento de Tacuarembó, República Oriental de Uruguay, pero su familia se trasladó a Montevideo cuando sólo tenía cuatro años. Cursó la primaria en el Colegio Alemán de Montevideo donde comenzó a escribir poemas y cuentos. Debido a problemas económicos de la familia pronto tuvo que trabajar, de manera que sólo pudo completar sus estudios secundarios como alumno libre; ese contacto temprano con el trabajo, le permitió conocer a fondo una de las constantes que registra su literatura: el mundo gris de las oficinas burocráticas de Montevideo. Entre 1938 y 1941 residió casi continuamente en Buenos Aires; allí vivió largo tiempo trabajando en una editorial. En 1946 Benedetti se casó con Luz López Alegre.


“Mi táctica es mirarte
aprender como sos 
quererte como sos”

 
Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/la-culpa-es-de-uno-cuando-no-enamora-Mario-Benedetti

jueves, 13 de septiembre de 2012

Erotismo al hilo: Pita García.

La artista visual mexicana Guadalupe García, mejor conocida como Pita García, usa el grafito, estambre, hilo y plumón para crear dibujos de la figura femenina; en ellos explora la sexualidad, el erotismo y la belleza mediante la representación de posturas del cuerpo de la mujer, la fragmentación del mismo y sus órganos. 

Sobre un fondo neutro y pulcro, Pita dibuja con grafito, plumón y borda con hilo figuras curvas y formas que hacen referencia inmediata al cuerpo de una mujer, experiencia que nace desde su corporeidad. Una posible vulva, un seno o un óvulo en el delineado nos hacen mirar de adentro hacia fuera de manera intuitiva el cuerpo y el imaginario de lo femenino, de una manera en que teóricos del arte como Judy Chicago y Lucy Leppard han denominado “central core imagery” o “vaginal iconography”.






Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/Erotismo-al-hilo-Pita-Garcia
http://pitagarcia.jimdo.com/dibujo/

martes, 11 de septiembre de 2012

"Gustave Klimt"

Klimt ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas en Viena, esta academia pretendía formar buenos técnicos para mejorar los productos industriales manufactureros. Al concluir sus estudios, uno de los profesores lo impulsó a decorar los edificios que en aquella época terminaban su construcción. Su estilo inicial fue academicista, similar a la musculatura que Miguel Ángel presentaba en sus cuerpos desnudos, sin embargo fue muy crítico con la pobre educación que había recibido de la Escuela de Viena. Poco a poco en sus bocetos, se iría reflejando un cambio gradual en la representación de la feminidad. 

Inspirado en la mitología griega, trató de manera crítica las convenciones morales e intentaba ser lo más fiel posible para pintar los temas que le interesaban; de ahí que provocara cierto escándalo la asimilación moderna que tenía en temas clásicos, pero sobre todo la sexualidad femenina en distintas facetas, ya sea desde la perspectiva de Dánae o Judith, una figura lujuriosa que no siente remordimiento alguno. La perspectiva de Klimt abordaba la complejidad de la naturaleza y la fragilidad de la figura humana; esta discusión era el tema central de la filosofía de la época y marca la crisis del positivismo: la ciencia y la razón ya no son suficientes para el progreso humano. Una idea completamente moderna. 

El beso es sin duda su pintura más famosa gracias a la publicidad y la reproducción; es una oda a la síntesis del amor, pero la importancia que tiene ésta no puede cerrar la evolución del pensamiento de un intelectual que le dio a la sociedad burguesa vienesa algo más que obras de representación. 











Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/Gustave-Klimt-Semilla-de-lo-moderno

lunes, 10 de septiembre de 2012

Craig Tracy: El cuerpo femenino como lienzo.

El cuerpo de una mujer es como un oasis en plena mancha urbana. Su figura guarda la perfección que despierta la más tiernas emociones o los más ilimitados deseos. El cuerpo de una mujer es de formas tan exquisitas como la misma naturaleza; no compiten, se complementan, se igualan en belleza; son fuente de inspiración para los poetas y los artistas, la única diferencia es que el cuerpo de una mujer se toca con el deseo con el que sólo se puede admirar a la naturaleza. ¡Oh, pobre naturaleza que de tan infinita belleza no puede valerse de la mujer para engrandecer su presencia! 

Craig Tracy es un artista que sabe de la intimidad entre la mujer y la tierra, por ello decidió fusionarlas en asombrosos cuerpos pintados.















Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/Craig-Tracy-El-cuerpo-femenino-como-lienzo


viernes, 7 de septiembre de 2012

El arte otomí de Temoaya, México.

Temoaya, del náhuatl lugar donde se desciende, es un municipio al norte del Estado de México, conocido internacionalmente por los  tapetes anudados a mano que produce su gente. Temoaya es una de las ciudades más longevas de México con presencia humana desde la prehistoria. La cultura otomí es significativa por su población de guerreros feroces y hermosas artesanías de lo textil. 
En 1969, se fundó la Sociedad Cooperativa de Artesanos de Santiago de Temoaya, S.L.C. como una empresa privada que después pasó a manos del gobierno, hasta que en 1998 se volvió una cooperativa independiente. En 2007, la sociedad cooperativa se unió a la Federación Mexicana de Artesanos y hasta la fecha la cooperativa se rige fundamentalmente por personas de origen otomí, quienes no sólo difunden la técnica artesanal, si no que comparten valores, creencias y tradiciones que los representan. 
Al notar la importancia de Temoaya como patrimonio cultural, el gobierno decidió construir en 1980 el Centro Ceremonial Otomí como un tributo a esta cultura. 
Los tapetes fusionan la técnica de anudado persa con diseños representativos de la cultura mexicana. Existen tapetes con figuras que evocan a los emblemas de cada estado de la república, representando así a las culturas indígenas de nuestro país.











Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/El-arte-otomi-de-Temoaya-Mexico

jueves, 6 de septiembre de 2012

La genialidad de Maurits Cornelis Escher.

Maurits Cornelis Escher es uno de los pocos artistas que combinó el arte y la ciencia durante el siglo XX; nació en 1898 en pleno desarrollo del impresionismo y ya que la Revolución Industrial impactó fuertemente en los artistas, les permitió salir del taller para pintar al aire libre y poco a poco les dio la oportunidad de obtener nuevos colores gracias a los avances de la industria. 

Escher se encontró en un periodo de transición en el arte, creció mientras las vanguardias tenían su desarrollo temporal, entre ellas el cubismo, que en sus inicios hablaba de los recientes avances de la modernidad, sin embargo, y a pesar de comenzar su producción entre 1922 y 1935, no forma parte del surrealismo pues aunque su obra plantea realidades increíbles y ciudades excepcionales, su estudio y pensamiento iban encaminados hacia el dominio ejemplar de la geometría. 

A partir de 1937 sus temas de mayor interés fueron la proporción, la estructura y sobre todo la continuidad, que es uno de sus recursos más utilizados. Al observar su obra más que poética, resulta intelectual; nos abre camino a un espacio irrepetible pero al mismo tiempo continuo en una espiral interminable. Su estudio casi no incluía el color, manejaba contraste utilizando los grises, impactando así aún más la armonía visual. 

Después de visitar la Alhambra por primera vez (ciudad situada en Granada, España), Escher intentó nuevos diseños de los que se conservan bocetos de 1926. Tras una segunda visita, copió varios motivos allí representados y encontró un sistema para representar particiones periódicas del plano, a pesar de sus rudimentarios conocimientos matemáticos, con las particiones consiguió descubrir los 17 grupos de simetría que figuran en la Alhambra.












miércoles, 5 de septiembre de 2012

"Escapando de la realidad".

Ex –pressions es una serie fotográfica de la francesa Julie de Waroquier, para adaptarse a la “realidad” busca a través de sus fotografías que la naturaleza y el objeto sean un mismo concepto. Con sus imágenes intenta definir “el espíritu del hombre” a partir del alma pues ésta juega un papel primordial en la visión de la artista.
Las protagonistas de Ex –pressions se encuentran en medio de la nostalgia y el cambio que todo ser humano enfrenta al menos una vez en su vida, esos cambios son representados por una mujer joven envuelta en tonos fríos y elementos infantiles que recrean metáforas representadas en los sueños de Julie.












Fuente de consulta: http://www.culturacolectiva.com/Escapando-de-la-realidad